musical voice; 25 ways to practice


finding your musical voice

voice, voice

Violin is your second voice.

It’s connection between you and your instrument.

“They hear a piece, they know the sounds in their head, but they lack the ability to convey their ideas. They’re not fluent. They have no idea if putting a finger in a certain place will produce the desired sound. This is a frustrating thing to learn because there’s really no timetable.”

Once you have foundational practice in your hands – you are ready for the next step

1.Think then know how you connect with the music personally – think of these connected moments
2.Know what you want to express musically
3.Feel emotions when playing
4.See images of what you want to express musically
5.Be present in the moment
6.Feel the music in your soul
7.Allow yourself to be Free and Lose yourself in the music
8.Know yourself – Be you
9.Be confident – no hesitation
10.Feel your personal connection with the music and your relationship with the violin


2 creating your own music

1.Create space in your schedule and your life
2.Love yourself
3.Let go of personal ego – no fear
4.Accept yourself for who you are
5.Eat well, sleep well – take care of yourself
6.Be forgiving of yourself and others
7.Release preconceived ideas
8.Be open to new ideas – yourself and others
9.Release limiting belief patterns
10.Find your flow
11.Allow yourself to be free
12.Don’t criticize yourself – every mistake is part of the art
13.Record yourself = Record those moments of brilliance!!
14.Acknowledge the beauty you are creating
15.Trial and error – be forgiving of this process


그게 쉬운일이었다면…


열심히 노력하다가 갑자기 나태해지고 

잘 참다가 조급해지고

희망에 부풀었다가 절망에 빠지는 일을

또다시 반복하고 있다.


그래도 계속해서 노력하면

수채화를 더 잘 이해할 수 있겠지

그게 쉬운 일이었다면

그 속에서 아무런 즐거움도 얻을 수 없었을 것이다

그러니 계속해서 그림을 그려야겠다 

To 테오 / From 고흐


그래도 계속해서 노력하면

음악을 더 잘 이해할 수 있겠지

그게 쉬운 일이었다면

그 속에서 아무런 즐거움도 얻을 수 없었을 것이다

그러니 계속해서 연습을 해야겠다. 


Practice Technique

“The single most important goal for performing artists is to see how they are doing.”

–Itzhak Perlman (The Musician’s Way, p. 202)



1. Practice Accessible Music

Only manageable music leavesus with the mental bandwidth we need to sense every aspect of our execution.

In the words of Robert Schumann,

“Endeavour to play easy pieces well and with elegance; thatis better than

to play difficult pieces badly.”


2. Record Yourself

Both in practice andperformance, we should regularly employ audio and video recorders,

and then evaluate our recordings in targeted ways.

Withan audio recording of a solo, for instance,

we might listen once to a section and assess our rhythm;

for a second appraisal we could focus on intonation;

on a third pass we might weigh our dynamics, vibrato, articulation, tone, or other expressive effects.

When reviewing a video,

we should gauge our stage presence and look for any mannerisms that wemight unconsciously display

(e.g., raised shoulders, stiffness, grimaces,inordinate movements).


3. Assess for Excellence

As we practice, wecontinually need to sense whether our actions vibrate with habits of excellence:

ease, expressiveness,accuracy, rhythmic vitality, beautiful tone, focused attention, and positiveattitude.

Forexample, as we play or sing, we should insist on ease,

and never let ourselvespush through difficulties or execute phrases at uncontrollable tempos.


4. Treat Errors as Crucial Information

Errors alert us to faultsin our preparation; they provide us with crucial feedback.

We mustn’t fear or loathe them. Instead, in response to errors,

we should isolate and solve the problems that cause us to misstep.

Musicians who become upset by mistakes tend not to notice many glitches

because, unconsciously, they want to avoid suffering.

So they’ll heedlessly distorttheir music rather than refurbish clumsy phrases.


5. Seek Feedback

We learn the most at theedges of our knowledge.

And all of us filter what we perceive, so we oftencan’t evaluate with untarnished objectivity.

Other view points, therefore, are crucial to our growth.

WhenI assess my own work, for instance, I assume that I might be missing something.

For that reason, I ask others to read my writing,

listen to my playing, critique my concert programming ideas, and so forth.

Whena colleague points out something that I’ve overlooked,

I rejoice, because Irecognize that myawareness has been expanded.


6. Assess with Detachment

We’re passionate about music,

but we must evaluate our work somewhat dispassionately, almost as if it weren’tcoming from us.

WhatI mean is that, when we size up our playing of a phrase,

we should ask things like,

“How was the timing in that melody?”

Not how was my timingbut how was the timing.

Similarly, if we’re using a mirror to help with a technical problem,

we should examine theactions of our hands as just hands. Not our hands.

Then we can ask whether what we see reflects what we desire.




“For 37 years I’ve practiced 14 hours a day, and now they call me a genius”

-Pablo de Sarasate, (1844-1908)

꼭 바이올리니스트에만 해당되는 말은 아니겠지.

나도 하루에 한 시간이나마, 뭔가 꾸준히 해보고 싶다.

오이스트라흐의 명언


from the book “My life and Violin” (Written by D.Oistrakh)

성실한, 그리고 멋진 바이올리니스트가 될려면?

1. 밥먹듯이 아침, 점심, 저녁에 연습하라. 밥 안먹으면 굶어 죽는거

처럼, 바이올리니스트는 연습을 안하면 죽음과 같다.

2. 각자의 단, 장점을 잘 파악하라. 자신의 단점을 많이 연습하여라.

그래도 안되면 그 단점을 안보이게 커버하라.

(참고로 오이스트라흐는 업 스타카토에 문제가 있었음으로 –

생상-서주와 론도 카프리치오소를 들어보면 업스타카토 부분을

스피카토로 바꾼다)

3. 테크닉과 음악성은 하나다. 테크닉이 없으면 음악을 못만들게

되고 음악성이 없으면 테크닉은 뭍쳐버려진다.

4. 네 교수를 우상으로 섬겨라. 네 교수가 틀린말을 하던 맞는말을 하던 너는 네 교수한테 순종해야 한다. 그렇지 않을 경우에는

네 교수도 너를 무시할것이다. 맘에 안들을 경우 교수를 바꿔라.

5. 타락을 알아야 높이 있는 자리가 얼마나 소중한 자리인지


6. 그 어떤  연주자도 따라하지를 말라. 그 연주자는 지가 할수있는 만큼 연주라는 것이고 너는 너가 할수있는 만큼 연주하는 것이다.

7. 네 교수뺴고 그 어떤 사람의 말도 귀담아 듣지 말아라.

그들은 네가 망하기를 원하는 뿐이다.

너가 잘되기를 바라는 사람은 네 교수와 너 부모님과 너의 제일제일 친한 동료들뿐이다. 그이상은 다 쓰레기라고 생각하라.

8. 연주할떄 관객을 무시하라. 기침을 하던 무슨 소리가 나던

무시하라. 텅빈 홀에서 너 혼자 음악을 즐긴다 생각해야 그떄

진정 좋은 음악이 나올수 있는것이다.

9. 연주할때 떨지 말아라. 약을 먹더라도 떨면 망하는 것이다.

10. 네 악기를 보물처럼 다져라. 조금의 먼지가 끼어도 소리는 달라진다. 활털을 1달에 한번씩 꼭 갈고 줄도 2주에 한번씩 꼭 갈아라.

너는 옷을 1년에 한번씩 갈아입냐? 샤워를 1년에 한번씩 하냐?

11. 연습할때는 전화 등등 모든거를 꺼놔라. 부모님이 밥먹어라 하는 소리도 들리면 안된다.

12. 어렸을떄는 고집이 무지하게 센 학생들이 있다.

이런애들은 길만 잘 들여 놓으면 대단한 음악가들이 된다.

그대신 어렸을때는 그 고집을 무조건 꺽어놔야 한다.

한가지 방법이 있다.-  무조건 떄려야 한다.

아무리 떄려도 죽지는 않는다. 솔직히 바이올린 할려면 다리도 필요없다. 손만 떄리지 말라. 나머지는 밟던 떄리던 칼로 베던

그 고집을 꺽어놔라.

13. 처음에 선생한테 악보본 곡을 가져갈려면 무조건 외워서.

그리고 선생님한테 말하여라- 악상 하나, 음정 하나 틀릴떄 마다

때려달라고. 그래야 음악가는 좋은 훈련을 받는다.

14. 1년에 잠시 쉬는 기간을 가져라. 특히 여름에는 주로 연주가 없음으로 레퍼토리등 자기 실력을 늘리는데 이용될수 잇고, 잠시 휴식을 갖는 시간으로 이용될수 있다.

15. 협연과 독주는 차이가 크다.

독주는 작은것도 다 들리지만 협연은 그런건 전혀 안들린다.

즉 협연에서는 무조건 소리가 커야 한다.

피아노는 아름다움이고 포르테는 우렁차야 한다.

독주회는 다르다 피아노는 될수있으면 작게. 포르테는 귀가 찢어지고 머리가 아플정도로 크게.

16. 템포는 네 마음이다.

네 성질에 맞게 템포를 골라라.

17. 독해져야 한다.

몸이 아프다, 머리가 아프다는 핑계로 연습안한다는 소리 하지말라.

그럼 너는 몸이 아프다거나 머리 아플때 밥도 안먹고 잠도 안자나?

18. 네 자신의 18번 곡들은 평생, 네가 죽을떄 까지 연주하게 될수도 있다.

19. 네 자신을 존경하라, 그렇지만 교만해지지는 말라.

20. 음악은 어렸을떄는 고생이지만 크면 즐김이다.

그렇지만 그 즐김에서도 너는 평생 땀흘리며 연습하고 살아갈 것이다.

상대적 셈여림법


상대적 셈여림법의 모습
Images of relative dynamics:

복잡한 거리 너머의 사람을 부름
Calling someone across a crowded

두 층 위의 사람을 부름
Calling someone over two stair landings

앰프 없이 교실에서 소개
address a classrome without amplification

한 테이블에 둘러앉은 그룹사이의 대화
A group conversation around a tabale

일대일 대화
A one-on- one conversation

전화 대화
A telephone conversation

사랑을 나누는 대화, 비밀 얘기
A love conversation, a confidence

홀을 채울 만큼 충분한 에너지에 의한 무대 위 속삭임
A stage whisper with enough enregy to fill the hall

당신의 상상력은 나를 능가한다
Your imagination is as good as mine.

음악과 다이나믹의 관계는
영감의 열매만이 아니며
연습할 수 있는 것이다.

최고를 꿈꾸는 이들에게


1.인생이란 원래 공평하지 못하다

그런현실에 대하여 불평한 생각말고 받아들여라.

2. 세상은 네 자신이 어떻게 생각하든 상관하지 않는다.

세상은 너희들한테 기대하는 것은, 네가 스스로 만족하다고 느끼기전에 무엇인가를 성취해서 보여주는 것이다.

3.인생은 학기처럼 구분되어 있지도 않고 여름방학이란 것은 아예 있지도 않다.

네가 스스로 알아서 하지않으면 선생님은 가르쳐주지 않는다.

4. 연습밖에 할줄 모르는 “바보” 한테 잘보여라.

나중에 아마 그 “바보” 밑에서 음악을 하게 될지도 모른다.

5. 음악학교에서는 승자나 패자를 뚜럿히 가리지 않을지 모른다.

어떤 학교에서는 낙제제도를 아예 없에고 쉽게 가르치고 있다는 것을 잘안다.

그러나 음악세계는 이와 다르다는 것을 명심하라.

6. 재능과 달란트를 떠나서 연습을 더 많이 옳게 하는사람이 무조건 이긴다 지금 당장은 아니라도.

7. 무시할 사람은 무시할줄알아야한다..

8. 싸가지 없게 놀아야할때도 많다 (어쩌면 대부분)

9. 너 부모탓을 하지마라 너가 너인생을 망치고 가면서.

잘못한거에서 교훈을 얻어라.